Crítica: Antes de que el diablo sepa que has muerto (Before the Devil Knows You’re Dead)

Dirigida por Sidney Lumet nos encontramos con un film independiente, veloz, agrio y agresivo. Con excelentes interpretaciones entre las que destaca Philip Seymour Hoffman. Un fin que aprovecha las propiedades del montaje y de un reparto coral para aumentar la intriga y humanizar la historia.

SINOPSIS:

Desesperados por conseguir dinero fácil, dos hermanos de clase burguesa, Andy, un ambicioso hombre de negocios casado con una mujer florero y adicto a la heroína, y Hank, cuyo sueldo se va casi íntegramente en pagar la pensión de su ex mujer y su hijo, conspiran para llevar a cabo el atraco perfecto: atracar la joyería de sus padres en Wetchester, Nueva York. Nada de pistolas, nada de violencia, y nada de problemas. Pero cuando su cómplice decide no cumplir las reglas del juego, las cosas no salen como ambos se esperaban.

CRÍTICA:

Un excelente trabajo que se sobre sale de muchos otros films. Nos encontramos con una película con un reparto coral, con actores de la talla de Phillip S. Hoffman, Ettan Hawke, Albert Finney y la atractiva Marisa Tomey, y de carácter muy literario ya que cada vez que cambia la perspectiva de la narración el montaje nos revela el cambio con shocks perceptivos que hacen que el cambio de perspectiva sea lo más notorio posible.

El guión es duro y despiadado, nos encontramos con una película muy agria que no está concebida para pasar el rato. Pero como todo guión siempre puede haber cosas que cambiarías y yo por ejemplo creo que la película nos ofrece demasiada información.

Cuando yo voy a ver una película que considero como literaria espero que se me deje interpretar cierta información, es decir, que me gusta ser yo quien complete algunos huecos que no se muestran en la película. Quizás se tomo la decisión de que el espectador ya estaba sometido a bastante presión teniendo que ordenar los hechos Lumet se decantó por mostrar toda la información que el guión le ofrecía. En este aspecto hay un fallo que el montaje está realizado de tal forma que no cuesta organizar mentalmente los acontecimientos y se podría haber jugado mucho más con la expectativa de los espectadores. Por ejemplo hay sobre la mitad de la película una conversación entre Andy y su padre y en esa secuencia aunque se dicen datos que podrían parecer importantes creo que se da un exceso de información al espectador y que bien podrían haber cambiado el punto de vista en esa secuencia para que no tuviéramos supiéramos todo lo que se dice y aumentar considerablemente la intriga.

La iluminación se puede decir que tiende a ser muy natural aunque en ocasiones nos ofrece de situaciones con luz muy dura, generando muchos constrastes. Por lo demás es tiende a ser lo más realista posible. Un trabajo muy bueno del director de fotografía Ron Fortunato.

La música esta a la altura aunque tiende a ser sencillamente convencional. Poco más se puede decir del trabajo de Carter Burwell.

Con respecto a la fotografía y al sonido las secuencias de disparos son sencillamente magistrales. Sobre todo en los momentos en los que dispara Andy. En las secuencias en las que el dispara nos encontramos que el hecho de disparar es un acto completamente brutal, trágico, esquizofrénico y, curiosamente, íntimo. Pero para conseguir escenas así todos las personas que forman la película deben estar perfectamente coordinadas y tienen que trabajar como uno sólo. Así pues es un excelente trabajo de dirección por parte de Lumet que tan sólo me ha dejado con mal sabor de boca por el exceso de información que el guionista Kelly Masterson nos ofrece.

CLASIFICACIÓN: 8,8

Crítica de Drácula de Bram Stoker (Bram Stoker’s DRACULA)

Cuando cumplí los 8 años mi abuelo me regalo una edición antigua de un libro que él tenía de cuando se casó en la época de la autarquía. El libro que en realidad ya tenía su tiempo cuando él lo compró era de una de las primeras ediciones de Drácula que se sacaron en España. Con las ilustraciones inglesas sin tocar. Recuerdo que apenas tarde un par de días en leerme las más de 500 páginas que tenía el libro, lo cual para mí era un record, y en esos pocos días se convirtió en uno de mis libros favoritos para siempre. Cuando hablaba con adultos me sorprendía el hecho de que no vieran que entre el Nosferatu y la preciosa Mina hubiera una relación más profunda y más sutil. Así que acabé pensando que sólo eran cosas mías, pero unos dos años más tarde me enteré que había una versión moderna de Drácula dirigida por un tal Coppola y me decidí a verla. Así que conseguí un VHS y la vi con mis amigos…He de admitir que pocas veces he disfrutado tanto viendo una película, POR FIN alguien que comprendía mi forma de ver el libro de Bram Stoker. Por fin había alguien que veía más allá del libro para llegar a las mismas entrañas de la relación entre el no-muerto y Mina. Aunque obviamente la primera vez que vi el libro no me imagine a los personajes con esos impulsos sexuales que tiene en la película porque vamos a ver tenía 8 años y no tuve la infancia de Quentin Tarantino…

Y bueno no creo que tenga que explicar nada del argumento porque quién no conozca a estas alturas la historio de Drácula es que no vive en este mundo.

Si tuviera que elegir al director vivo más grande de toda la historia del cine mi elección sería clara: Francis Ford Coppola. Coppola siempre se ha caracterizado por transgredir las normas comunes cinematográficas para crear un nuevo estilo cinematográfico íntimo, experimental y único. Drácula es en realidad una película de cine comercial, pero con unas dosis de cine experimental que la convierten en una película mágica.

Podemos decir que Drácula es la suma de todos los experimentos de puesta en escena y superposición ensayados por Coppola en sus otras películas como Corazonada, La ley de la calle, Apocalypse Now y The Cotton Club. La comprensión tan teatral y literaria del cine que tiene este director aumenta la sensación de estar leyendo el libro. Cuando leía yo el libro tenía la sensación de estar viendo una película, cuando veo la película tengo la sensación de estar leyendo un libro. La complementariedad entre film y novela está tan equilibrada que parece que Bram Stoker y Coppola se pusieran de acuerdo (Cosa imposible porqué Bram Stoker ya hace un siglo que murió).

Pero siendo sinceros, no todo el mérito de esta gran película la tiene Coppola por su soberbia dirección, sino que todo el elenco de los realizadores de la película tiene gran mérito. La excelente adaptación realizada por el guionista James V. Hart (que obviamente fue retocada por Coppola) es tremenda. Una historia en la que sólo parecía haber terror se convierte en una historia de amor con unos toques sangrientos. Amor al borde del abismo, muerte tragedia, lucha y perdición todo esto se mezcla en la película de forma perfecta. El vestuario de la película realza ese toque neogótico de todo el film. De hecho el vestuario realizado por Eiko Ishioka fue ganadora de un óscar.

Y la música… Qué música joder… Es tan espectacular la música de esta película que se merecía dos Óscars, una por tener tantos cojones como para hacerla así y otra por lo acojonante que es. Pero en general se puede decir lo mismo de toda la película. Recomiendo a quién tenga ganas que se lea el libro escuchando la excelente música compuesta por Wojciech Kilar, porque verá el libro desde una nueva perspectiva mucho más aterradora.

La actuación de Gary Oldman y Anthony Hopkins le dan aún más nivel, si cabe, a este excelente film. La interpretación de Winona Ryder es también muy buena y sin duda es el mejor papel de toda su vida. Con respecto a Keanu Reeves…No es que se mate actuando y se nota por que necesito de unos cuantos años más para convertirse en el Neo de Matrix (y en Matrix tampoco es que su actuación sea hay en plan estelar de estas que dices OOOHH que bien que actúa, es normalita y poco más).

El único inconveniente de la película es que se me hace muy corta, y parece que falta alguna escena para dar más coherencia al film. Así que para algunos espectadores que no hayan leído el libro puede que noten algunos saltos argumentales un poco extraños.

Drácula no es una película cualquiera, es una gran obra de cine comercial, realizada con maestría por todos aquellos que participaron en su desarrollo. Una de las mejores películas que he visto y desde luego que he disfrutado un montón viéndola.

CALIFICACIÓN: 9,5

Crítica de Hijos de los hombres (Childrens of Men)

Podemos afirmar con rotundidad que se está perfilando un nuevo tipo de dirección en las grandes producciones estadounidenses y en este caso, británicas. Este nuevo estilo está impulsado por dos directores de misma nacionalidad: Alfonso Cuarón Y Alejandro Iñarritu, ambos mejicanos. Este nuevo tipo de dirección se basa en los desafíos cinematográficos de otras corrientes pero mezcladas de forma sutil. Por ejemplo se puede ver como ninguno de los planos es estático y que siempre se percibe en cierta forma algo de movimiento tomado del cine danés DOGMA 95.

También se parecían planos a veces tremendamente largos como en la escena en la que Teo tiene que volver a rescatar a Kimi de los Peces. Todo esto nos dice que estos nuevos directores se arriesgan realmente a la hora de dirigir y que están buscando nuevas formas. A mi parecer Cuarón lo hace con bastante más gracia que su compadre Iñarritu, que parece hacer todas sus películas de la misma forma. Como ejemplo Babel y 21 Gramos en las que hay profundos y complejos cambios temporales que más que enganchar aburren y se hacen tremendamente pesados.

Hecho este inciso hay que decir que Hijos de los hombres desde el punto de vista argumental está bastante bien, pero parece que le falta algo. Personalmente me da la sensación de que la película no llega todo lo lejos que podría haber llegado. No quiero centrarme mucho en la historia pero sólo voy a decir que es la peripecia de un hombre de ayudar a una mujer embarazada (en un mundo completamente infértil) a llegar a una cosa denominada: proyecto humano. Un proyecto pensado para “curar” a la tierra de su infertilidad.

La película pretende ser bastante crítica con los gobiernos occidentales, una reflexión sobre el terrorismo, y un cuento a la esperanza. Pienso que se queda corta en las tres cosas, excepto en lo de la crítica a los gobiernos occidentales. Pero hay que tener en cuenta que eso es lo más fácil, porque hoy en día lo puede hacer cualquiera. Lo difícil es criticarlos con un presupuesto tan grande. Porque no nos engañemos Hijos de los hombres pretende ser una película de cine independiente de historias críticas y reflexivas. Pero… La película está en parte vendida. Me extraña mucho, muchísimo, que precisamente un mejicano haya querido ambientar su historia en Inglaterra (Iñarritu demostró en su película Babel que Europa no significa nada) y teniendo en cuenta que una película así en Estados Unidos podría haber tenido un sinfín de posibilidades. Pero precisamente por el increíble presupuesto que intuyo que es necesario para hacer una película como esta es su principal punto débil.

Obviamente en Estados Unidos, en el momento de hacer la película, nadie estaba dispuesto a dar tal cantidad de dinero a un mejicano que encima quería hablar de tantas cosas, así que probablemente tuvo que recurrir a otros países cambiando el lugar de ambientación y por consiguiente gran parte del el guión.

Recomiendo ver esta película porque tiene sus momentos buenos, y hay cosas que son realmente curiosas. Pero que nadie se lo tome como lo que quiere ser: Una película profunda y reflexiva, ya que al igual que las otras películas del otro director mejicano antes mencionado se queda en la superficie y un poco descafeinada.

CALIFICACIÓN: 8

Crítica de Fanny y Alexander (Fanny och Alexander)

Hasta el 2004 se decía que fue la última gran película del director sueco Ingmar Bergman. En ese año nos sorprendió con la gran película Saraband. La película Fanny y Alexander marcó el retiro Bergman (aunque como ya hemos dicho volvió a la carga en el año 2004) y lo quiso hacer con una de sus películas más bellas, conmovedoras y trágicas.

Si hay que calificar de laguna forma la película sería como una especie de drama o más bien es una película de “dramas”. Aunque la mejor forma de explicar la película es con la frase final que dice la abuela de Alexander:

Todo puede ser, todo es posible e inusitado. El tiempo y el espacio no existen.
Sobre una débil trama de realidades, la imaginación teje y modela nuevas
formas

Básicamente ese es el principio fundamental de la película en la que escenas imposibles se nos revelan gracias a la imaginación tortuosa del joven Alexander. Es tremendamente difícil decir de qué trata la película sin hacer múltiples alusiones a lo que dicen los personajes. Pero podemos encontrar cuatro momentos clave en el desarrollo de la película: FELICIDAD, TRAGEDIA, VENGANZA, ESPERANZA. Aunque ninguno de esos momentos están absolutamente marcados y no son puros por así decirlo.

La felicidad se muestra como un falso intento de protegerse del trágico mundo. La tragedia llevará al ansia de venganza y la culminación de la venganza llevará a una cierta esperanza.
No quiero decir nada más de la historia porque me siento incapaz de decir algo sin tener que revelar toda la película. Así que tan sólo diré que la historia dio en su momento tanto juego que el mismo Bergman escribió una serie de televisión basada en los protagonistas.

El estilo infantil y teatral del director sueco se hace notar en seguida. Fiel seguidor de Bazin y con una puesta en escena perfecta. Una ambientación e principios de siglo que sólo puede competir con la épica película de Stanley Kubrick Barry Lyndon.

El mayor fallo lo veo en el título, que más que Fanny y Alexander se debería de llamar Alexander y algunos personajes más. Por lo demás las tramas con las que se construye la historia están muy equilibradas para dar protagonismo a Alexander pero además construir un pequeño mundo alrededor de él, para poner la guinda al pastel.

Recomiendo esta película para todos aquellos amantes del buen cine que estén cansados de Hollywood y busquen historias que trasciendan más allá del cine y la realidad. Obra cumbre de uno de los directores más grandes de la historia.

CALIFICACIÓN: 9

Crítica de Monstruoso (Cloverfield)

Tan sólo intentar definir el género de esa película ya se hace complicado. Es una mezcla de Ciencia-ficción, acción, intriga y Thriller. Podríamos decir que es un complejo híbrido entre “El proyecto de la bruja de Blair” y “Godzilla” con un toque de “La guerra de los mundos”.

Esta película está producida por una de los grandes visionarios de las series norteamericanas actuales: J. J. Abrams productor de series como Perdidos.
En esta película se nos cuenta la historia de cómo 5 personas intenta sobrevivir en la ciudad de Nueva York al ataque de un terrible monstruo. Toda la película se nos cuenta con la técnica de cámara en mano siguiendo la estela de la exitosa pero realmente floja: REC.

El resultado es una película agobiante, espectacular y sobrecogedora. Quien espere ver una simple película sangrienta con Monstruoso no va a encontrar lo que busca. En cambio si se busca una forma un poco más original de ver el típico ataque de un monstruo a tierra humana, si que tiene más posibilidades de sentirse satisfecho.

Otras películas de este género no nos contaban las historias de gente corriente y su intento por sobrevivir a estos ataques, sino más bien como una serie de “héroes” hacían todo lo posible para proteger a su familia o por salvar a la ciudad. Por ejemplo en Godzilla el protagonista era un científico que intentaba salvar la ciudad y al mismo godzilla. En la guerra de los mundos nos encontramos con un Tom Cruise que de repente parecía ser el ser más inteligente de la tierra sabiendo que es lo que fallaba en los coches y que es lo que había que hacer.

En Monstruoso nos encontramos con 5 jóvenes que no saben a dónde ir, no saben exactamente lo que está pasando y no saben cómo hacer frente a la amenaza que se les viene encima. Y el hecho de que sea gente normal parece subrayarse con la técnica de cámara en mano. Ya que según los movimientos de la cámara también podemos vislumbrar la sensación y las emociones del personaje que lleva la cámara.

Ahora eso sí no todo es correr también hay diferentes historias de amor inmersas en la trama que la harán avanzar la acción dramática de todo el film.

La película gana puntos sobre todo por su brevedad, ya que alargar durante mucho más tiempo este tipo de situaciones hubiese mermado notablemente la intensidad dramática, haciendo que la película se volviera aburrida y pesada. Así en poco más de una hora se nos ofrece toda la espectacularidad que queremos y más.

Aunque como rasgos negativos hay que decir que en algunos momentos se hace previsible, y que en algunos momentos resulta realmente agobiante la cámara en mano.

CLASIFICACIÓN: 8

Crítica de Shrek Tercero

Shrek Tercero nos viene a contar la historia del Archiconocido Ogro Shrek que esta vez debe enfrentarse a la dura obligación de convertirse en rey. Y para escurrir el vulto se va en barco a la otra punta del mundo junto con gato y asno para traer al otro heredero de la corona y proclamarlo rey. En su ausencia los malos malísimos arman la de dios y toman el control del reino.

En si la película puede hacer gracia durante los 20 primeros minutos pero después cae en la repetición y se hace muy fácil de prever lo que va a ocurrir.

Además el personaje de Arturo es un bastante patético y no pega ni con cola. La formula de ir añadiendo a cada entrega más personajes parece agotada... Sobre todo porque lo hacen todas las películas del momento: Piratas del Caribe, Spiderman, Ocean's "..." y muchos más.



Una forma de desmerecer las anteriores películas sobre todo la primera que era una historia muy divertida y entretenida. Aunque hay que ser realistas y hay que ser conscientes de que este tipo de películas se encuentra en ocasiones saturados porque en los últimos años se han hecho bastantes y la mayoría de ellas de humor, y se ha tenido que recurrir a repetir el mismo chiste. Estaba claro que el Gato iba a poner esa cara que Shrek iba a hacer el ridículo y que asno no se iba a callar nunca.

Lo mejor de la película es su brevedad que hace que los chistes no se hagan excesivamente largos y que hace que no te arrepientas de haber pagado una entrada en el cine o haber malgastado ese preciado puesto en la cola de descarga del emule.

No hay mucho más que decir de la película aparte de que el mejor de la película vuelve a ser Pinocho cuya compleja personalidad hace que el personaje sea realmente profundo y carismático (si lo digo en serio o no, no se decirlo...)

CALIFICACIÓN: 6 ( y porque sale Pinocho)