Frases de cine y televisión:

sábado, 16 de febrero de 2008

Crítica de Drácula de Bram Stoker (Bram Stoker’s DRACULA)


Cuando cumplí los 8 años mi abuelo me regalo una edición antigua de un libro que él tenía de cuando se casó en la época de la autarquía. El libro que en realidad ya tenía su tiempo cuando él lo compró era de una de las primeras ediciones de Drácula que se sacaron en España. Con las ilustraciones inglesas sin tocar. Recuerdo que apenas tarde un par de días en leerme las más de 500 páginas que tenía el libro, lo cual para mí era un record, y en esos pocos días se convirtió en uno de mis libros favoritos para siempre. Cuando hablaba con adultos me sorprendía el hecho de que no vieran que entre el Nosferatu y la preciosa Mina hubiera una relación más profunda y más sutil. Así que acabé pensando que sólo eran cosas mías, pero unos dos años más tarde me enteré que había una versión moderna de Drácula dirigida por un tal Coppola y me decidí a verla. Así que conseguí un VHS y la vi con mis amigos…He de admitir que pocas veces he disfrutado tanto viendo una película, POR FIN alguien que comprendía mi forma de ver el libro de Bram Stoker. Por fin había alguien que veía más allá del libro para llegar a las mismas entrañas de la relación entre el no-muerto y Mina. Aunque obviamente la primera vez que vi el libro no me imagine a los personajes con esos impulsos sexuales que tiene en la película porque vamos a ver tenía 8 años y no tuve la infancia de Quentin Tarantino…
Y bueno no creo que tenga que explicar nada del argumento porque quién no conozca a estas alturas la historio de Drácula es que no vive en este mundo.
Si tuviera que elegir al director vivo más grande de toda la historia del cine mi elección sería clara: Francis Ford Coppola. Coppola siempre se ha caracterizado por transgredir las normas comunes cinematográficas para crear un nuevo estilo cinematográfico íntimo, experimental y único. Drácula es en realidad una película de cine comercial, pero con unas dosis de cine experimental que la convierten en una película mágica.
Podemos decir que Drácula es la suma de todos los experimentos de puesta en escena y superposición ensayados por Coppola en sus otras películas como Corazonada, La ley de la calle, Apocalypse Now y The Cotton Club. La comprensión tan teatral y literaria del cine que tiene este director aumenta la sensación de estar leyendo el libro. Cuando leía yo el libro tenía la sensación de estar viendo una película, cuando veo la película tengo la sensación de estar leyendo un libro. La complementariedad entre film y novela está tan equilibrada que parece que Bram Stoker y Coppola se pusieran de acuerdo (Cosa imposible porqué Bram Stoker ya hace un siglo que murió).
Pero siendo sinceros, no todo el mérito de esta gran película la tiene Coppola por su soberbia dirección, sino que todo el elenco de los realizadores de la película tiene gran mérito. La excelente adaptación realizada por el guionista James V. Hart (que obviamente fue retocada por Coppola) es tremenda. Una historia en la que sólo parecía haber terror se convierte en una historia de amor con unos toques sangrientos. Amor al borde del abismo, muerte tragedia, lucha y perdición todo esto se mezcla en la película de forma perfecta. El vestuario de la película realza ese toque neogótico de todo el film. De hecho el vestuario realizado por Eiko Ishioka fue ganadora de un óscar.

Y la música… Qué música joder… Es tan espectacular la música de esta película que se merecía dos Óscars, una por tener tantos cojones como para hacerla así y otra por lo acojonante que es. Pero en general se puede decir lo mismo de toda la película. Recomiendo a quién tenga ganas que se lea el libro escuchando la excelente música compuesta por Wojciech Kilar, porque verá el libro desde una nueva perspectiva mucho más aterradora.
La actuación de Gary Oldman y Anthony Hopkins le dan aún más nivel, si cabe, a este excelente film. La interpretación de Winona Ryder es también muy buena y sin duda es el mejor papel de toda su vida. Con respecto a Keanu Reeves…No es que se mate actuando y se nota por que necesito de unos cuantos años más para convertirse en el Neo de Matrix (y en Matrix tampoco es que su actuación sea hay en plan estelar de estas que dices OOOHH que bien que actúa, es normalita y poco más).
El único inconveniente de la película es que se me hace muy corta, y parece que falta alguna escena para dar más coherencia al film. Así que para algunos espectadores que no hayan leído el libro puede que noten algunos saltos argumentales un poco extraños.
Drácula no es una película cualquiera, es una gran obra de cine comercial, realizada con maestría por todos aquellos que participaron en su desarrollo. Una de las mejores películas que he visto y desde luego que he disfrutado un montón viéndola.
CALIFICACIÓN: 9,5

martes, 12 de febrero de 2008

NO ES PAÍS PARA... ESTÚPIDOS.

Nueva película de los hermanos Coen y como viene siendo habitual en ellos se encargan de la producción, dirección, guión y casting, entre otras cosas. Esta vez han adaptado la novela de Cormac McCarthy que lleva el mismo título y parece ser que el traslado del libro a la gran pantalla ha sido muy fiel, según palabras del diario El País.
http://www.elpais.com/articulo/cine/Elegia/western/elpepuculcin/20080208elpepicin_2/Tescin_2/Tes

La historia se desarrolla en la América profunda de los 80, y empieza cuando un veterano de vietnam, Llewelyn Moss, encuentra en el desierto de Texas un maletín repleto de millones de dólares, después de hallar unos cuantos cadáveres de narcotraficantes. Lógicamente, se lo queda. Pero cuando está en su caravana con su mujer decide volver al lugar del crimen para darle agua al único superviviente del maltrecho intercambio de drogas-dólares. Una vez allí es avistado por otros malos que lo persiguen para matarlo pero nuestro protagonista escapa por un río y se lleva a casa una bala en su espalda.
Vuelve a casa, coge el maletín y deja a su mujer en el bus que la llevará con su madre. Él emprenderá una huída frenética para quedarse con la pasta. Todo lugar por el que pasa es alcanzado por el insaciable multiasesino Bardem. Algunas veces matará por placer, otras por “necesidad” y otras según decida “la moneda de la suerte”. Vale, tenemos al huido perseguido por el malo, os suena lo que viene, ¿no? Exactamente, falta el policía que pretende proteger al huido. Ese no puede ser otro que, tras el bagaje de “El fugitivo” y su copia “U. S Marshals”, Tommy Lee Jones. Sin embargo, ahora este agente de la ley no está tan activo porque, como dice el título de la peli: “No es país para viejos” y él ha perdido un poco la esperanza por su trabajo.
Tras varios asesinatos del Bardem, en los que incluyo a un espía que había contactado con Llewelyn para quedarse con el dinero, le toca el turno al propio Llewelyn al que lo mata en uno de los mucho hostales en los que se había hospedado. Lee Jones no puede evitar otra muerte más y decide retirarse al sentirse incomprendido de un país que le había dado tanto a él y que ahora está ahogado en la violencia.
Bardem finaliza su orgía homicida matando a la novia de Llewelyn, pero cuando hay un atisbo de esperanza de que muera en accidente de coche, el muy cabrón “solo” se rompe un brazo y ayudado por dos niños se va andando hacía la dirección que con la que iba con su siniestrado vehículo.

En líneas generales no me ha gustado. No hay diálogos y por tanto no hay conocimiento de la psicología de los personajes. No hay música de fondo, lo cual contribuye a asfixiar más la línea argumental. Esta película ofrece muchos muertos y pocas reflexiones. La adaptación está bien, la fotografía y el ambiente les pongo notable y las actuaciones, sobresaliente. Y a nuestro Bardem, Matrícula de Honor. Con decir que la noche que vi la peli no pude dormir pensando en su siniestra cara.

Y todo esto es lo único positivo que puedo decir de los sugerentes hermanos Coen que tras la fallida “Ladykillers” siguen con humor pero en este “No es país...” es humor negro. Creo que resulta anecdótico recordar una de las pocas frases que dice la película que son graciosas. Consciente del peligro, Llewelyn cuando se va a despedir de su mujer le dice: “Si no vuelvo, dile a mi madre que la quiero”, a lo que ella responde: “Si tu madre está muerta” y él, contrariado, añade: “Pues entonces se lo diré yo”.

Puntos que hacen de esta película decente una película más del montón:

  1. El doblaje al español de Bardem. Le han puesto la voz de Rosell Crowe por lo que no sólo te saca de la película sino que parece que vaya a decir “Fuerza y Honor”.




  2. El “pelo polla” de Bardem. Vale que sean los años 80 y que la moda estuviera loca y todo eso pero un tipo sin escrúpulos no puede tener las mechas de Cindy Crowford y el tinte negro y pelo liso y suave de Courteney Cox.




  3. Y última revisión: las armas de Bardem. Vuelvo a recordar que estamos en los 80 para intentar justificar que este hombre se pase toda la película con una botella de butano –eso sí, delgada y ultraligera- que le sirve de pistola y abre puertas. Es un poco chistoso pero si lo comparamos con el silenciador de su escopeta no se qué me hace más risa. Silenciar, silencia pero es tan grande y ridículo que provocó alguna que otra carcajada en el cine.

CALIFICACIÓN: 6 (y porque Bardem es español y de izquierdas)

lunes, 11 de febrero de 2008

RATATOUILLE

Ratatouille narra la historia de una rata que quiere llegar a ser chef de cocina. Sabe que no lo tiene fácil porque más que nada es una rata. Aun así desobedece a su padre y con mucha suerte y coincidencia llega ella solita -ya que sin quererlo deja atrás a su familia-, al que fue el mejor restaurante de París. Allí, Remy, que es como se llama la susodicha consigue parecer desapercibida en medio de los cocineros gracias a que se pone literalmente en la cabeza de un joven trabajador del local, el cual se da cuenta de que la rata sabe cocinar y de que él necesita desesperadamente cocinar bien para que no le eche el jefe. Así pues, Remy, como acabo de decir, se pondrá en el cogote del chico y tapada con un gorro de cocina para que no la vea nadie, al estirarle de algunos pelos, podrá ir dirigiendo todos los movimientos de éste. Los dos consiguen devolver al restaurante a su mejor época, pero a partir de este momento, no lo tendrán muy fácil porque el jefe investiga al chico y se da cuenta de que es hijo del propietario y difunto dueño del restaurante. Esto significa que él no será quien herede el negocio sino el joven, el cual en un principio no sabía quién era su padre. Total, al final se entera de que es el hijo y echa al jefe, y este último intentará vengarse. Pero no tendrán sólo este problema porque ahora entra en escena un crítico gastronómico. Este señor hizo una crítica muy dura contra este restaurante hace algún tiempo y acabó por condenarlo al ostracismo. Acude al local para desafiar al joven y por consiguiente a la rata para que cocinen para él. En un principio todo será un caos porque por un lado, el chico y una joven cocinera se lían, por otro la rata encuentra en París a su familia que son quienes le convencen para que no vuelva con el humano porque es peligroso. Y para más enredos, el ex jefe se entera de que es una rata en la cabeza la que le ayuda a cocinar. Para fastidiarle llamará a un fumigador.
La película acaba cuando llega la gran noche en la que el restaurante tiene que cocinar para el vil crítico. Resulta que el joven confiesa al resto de cocineros que él sólo cumplía órdenes de la rata de su cabeza, así que éstos le dejan solo porque, lógicamente, no aceptan a una rata en la cocina. Y es que encima Remy también se va porque cree que los humanos le pueden hacer daño. Resultado, el chico no sabe qué hacer y el enredo es tal que al final todas las ratas se meten en la cocina y conjuntamente con los cocineros humanos cocinan el famoso plato Ratatouille, el cual le resultará al crítico gastronómico sublime ya que le recuerda a su infancia, -cuando aún era humano y tenía sentimientos-.

En fin, otra película más de Disney de la que no puedes esperar nada nuevo. Siguen con la beneficiosa estrategia doble, es decir, dirigirse al público más infantil, que irá corriendo a las salas atraída por el portentoso marketing (Mc Donalds, PS y Nintendo), pero los que disfrutaran más de la peli serán sus padres y pagadores, quienes llegan a encontrar en este tipo de películas una especie de guiño edulcorado de la pura realidad.

Ratatouille no busca la carcajada rápida de Shrek ni la acción de Toy Story. Ratatouille pretende moralizar sobre el eterno viaje para la consecución de los sueños. Un argumento repetido hasta la saciedad en infinidad de películas pero que esta vez no consigue conmover porque se pierde en un guión simplón y rebuscado. Parece que hayan hecho la película pensando primero en el videojuego. Y es que el cine ya no es lo que era y cuando digo cine me refiero a Disney, que no para de sacar bochornos al más puro estilo Bruce Willis en Jungla de Cristal. Sí, efectivamente, me refiero a Piratas del Caribe. Lo siento pero lo tenía que decir. No puedo con las últimas películas de Disney y menos con Jack Sparrou quien no para de soltar gracietas acompañadas de acción especial –de efectos especiales-.

CALIFICACIÓN: 5

sábado, 9 de febrero de 2008

Crítica de Hijos de los hombres (Childrens of Men)


Podemos afirmar con rotundidad que se está perfilando un nuevo tipo de dirección en las grandes producciones estadounidenses y en este caso, británicas. Este nuevo estilo está impulsado por dos directores de misma nacionalidad: Alfonso Cuarón Y Alejandro Iñarritu, ambos mejicanos. Este nuevo tipo de dirección se basa en los desafíos cinematográficos de otras corrientes pero mezcladas de forma sutil. Por ejemplo se puede ver como ninguno de los planos es estático y que siempre se percibe en cierta forma algo de movimiento tomado del cine danés DOGMA 95.

También se parecían planos a veces tremendamente largos como en la escena en la que Teo tiene que volver a rescatar a Kimi de los Peces. Todo esto nos dice que estos nuevos directores se arriesgan realmente a la hora de dirigir y que están buscando nuevas formas. A mi parecer Cuarón lo hace con bastante más gracia que su compadre Iñarritu, que parece hacer todas sus películas de la misma forma. Como ejemplo Babel y 21 Gramos en las que hay profundos y complejos cambios temporales que más que enganchar aburren y se hacen tremendamente pesados.
Hecho este inciso hay que decir que Hijos de los hombres desde el punto de vista argumental está bastante bien, pero parece que le falta algo. Personalmente me da la sensación de que la película no llega todo lo lejos que podría haber llegado. No quiero centrarme mucho en la historia pero sólo voy a decir que es la peripecia de un hombre de ayudar a una mujer embarazada (en un mundo completamente infértil) a llegar a una cosa denominada: proyecto humano. Un proyecto pensado para “curar” a la tierra de su infertilidad.
La película pretende ser bastante crítica con los gobiernos occidentales, una reflexión sobre el terrorismo, y un cuento a la esperanza. Pienso que se queda corta en las tres cosas, excepto en lo de la crítica a los gobiernos occidentales. Pero hay que tener en cuenta que eso es lo más fácil, porque hoy en día lo puede hacer cualquiera. Lo difícil es criticarlos con un presupuesto tan grande. Porque no nos engañemos Hijos de los hombres pretende ser una película de cine independiente de historias críticas y reflexivas. Pero… La película está en parte vendida. Me extraña mucho, muchísimo, que precisamente un mejicano haya querido ambientar su historia en Inglaterra (Iñarritu demostró en su película Babel que Europa no significa nada) y teniendo en cuenta que una película así en Estados Unidos podría haber tenido un sinfín de posibilidades. Pero precisamente por el increíble presupuesto que intuyo que es necesario para hacer una película como esta es su principal punto débil.


Obviamente en Estados Unidos, en el momento de hacer la película, nadie estaba dispuesto a dar tal cantidad de dinero a un mejicano que encima quería hablar de tantas cosas, así que probablemente tuvo que recurrir a otros países cambiando el lugar de ambientación y por consiguiente gran parte del el guión.
Recomiendo ver esta película porque tiene sus momentos buenos, y hay cosas que son realmente curiosas. Pero que nadie se lo tome como lo que quiere ser: Una película profunda y reflexiva, ya que al igual que las otras películas del otro director mejicano antes mencionado se queda en la superficie y un poco descafeinada.
CALIFICACIÓN: 8

jueves, 7 de febrero de 2008

EN EL VALLE DE ELAH

Segunda película como director, tras la oscarizada Crash, del más que notable guionista y director Paul Haggis. En el valle de Elah narra la historia de Hank (Tommy lee Jones) un militar retirado que decide ir a buscar a su hijo Mike, el cual ha desaparecido tras regresar de Irak. Hank dejará sola a su mujer en su casa (Susan Sarandon) para ir a la base militar de la que se vio por última vez a su hijo. Cuando llega al lugar recibe la noticia de que Mike ha sido hallado cerca de dicha base descuartizado y abrasado. Es en ese momento cuando entra en escena la agente Sanders (Charlize Theron), que ante la incompetencia y falta de profesionalidad de sus compañeros decide encargarse del caso con la ayuda del propio Hank, que se muestra obsesionado por resolverlo cuanto antes.

La historia pues, se empieza a tejer en el momento en el que la policía encuentra el cadáver. Y es entonces cuando el conservador y claro defensor del ejército de los EEUU, el señor Hank, comienza a darse cuenta de que los militares que regresan de la guerra de Irak padecen severos problemas psicológicos. Y debido a esto se cuestiona el papel de su país en dicha guerra. Su mujer (Susan Sarandon) apenas sale en la película y cuando está en escena actúa como la madre destrozada que, cuando pierde a su hijo y no tiene a su marido cerca, no tiene más remedio que asumir su soledad e impotencia. Y muchos críticos ven en este papel la metáfora de la América actual, la cual llora a sus militares muertos mientras se preguntan el motivo de iniciar esta guerra.

Hay dos secuencias que marcan, sin duda, el argumento de este film. La primera es cuando Hank le está contando un cuento al niño pequeño de la agente Sanders. El cuento no es otro que la historia de David y Goliat. Implícitamente significa que el monstruo Goliat que reta a un pueblo a que luche con él -es decir, Goliat es EEUU- y nadie puede vencerle hasta que llega Irak, perdón, David, quien lo derrota con una onda y una piedra. No hace falta dar más explicaciones.
La segunda secuencia se divide en dos partes. Cuando Hank se dispone a partir de su pueblo para ir a buscar a su hijo se encuentra con que hay una bandera de un lugar público está puesta del revés. Mientras la pone correctamente –ya sabemos como son los estadounidenses con estas cosas- le explica al encargado del sitio que no debe ponerla así ya que simboliza que el país está lanzando un mensaje de SOS. Esta escena se repite al final de la película cuando Hank se ha dado cuenta del error de la guerra de Irak y, sobre todo, de las terribles consecuencias que el conflicto está teniendo en los soldados. Pero sólo que ahora decide poner la bandera del revés (las estrellas abajo y las barras arriba) con la clara crítica que esto conlleva.
CALIFICACIÓN: 9

martes, 5 de febrero de 2008

Aclaraciones y otros cuentos

Este blog fue creado en principio para un curso de verano de la Universidad de Alicante y después del curso abandoné completamente este blog. Desde que comencé este nuevo curso en la universidad he tenido ganas de retomarlo, pero hasta ahora no he tenido tiempo.

Ahora espero poder poner al menos una crítica a la semana tanto de películas actuales como de auténticos clásicos.

También e de decir que el blog se va a ver sometido a diversos cambios a lo largo de estos días. Sobre todo porque voy a pensar un forma más eficaz de estructurarlo y además puede que se unan nuevos colaboradores.

Tengo pensado crear una imagen de cabecerá y añadir alguna cosa más a la barra lateral.

A la espera de novedades. Me despido.

Se aceptan todo tipo de sugerencias, comentarios y críticas.

Crítica de Fanny y Alexander (Fanny och Alexander)

Hasta el 2004 se decía que fue la última gran película del director sueco Ingmar Bergman. En ese año nos sorprendió con la gran película Saraband. La película Fanny y Alexander marcó el retiro Bergman (aunque como ya hemos dicho volvió a la carga en el año 2004) y lo quiso hacer con una de sus películas más bellas, conmovedoras y trágicas.


Si hay que calificar de laguna forma la película sería como una especie de drama o más bien es una película de “dramas”. Aunque la mejor forma de explicar la película es con la frase final que dice la abuela de Alexander:
Todo puede ser, todo es posible e inusitado. El tiempo y el espacio no existen.
Sobre una débil trama de realidades, la imaginación teje y modela nuevas
formas

Básicamente ese es el principio fundamental de la película en la que escenas imposibles se nos revelan gracias a la imaginación tortuosa del joven Alexander. Es tremendamente difícil decir de qué trata la película sin hacer múltiples alusiones a lo que dicen los personajes. Pero podemos encontrar cuatro momentos clave en el desarrollo de la película: FELICIDAD, TRAGEDIA, VENGANZA, ESPERANZA. Aunque ninguno de esos momentos están absolutamente marcados y no son puros por así decirlo.


La felicidad se muestra como un falso intento de protegerse del trágico mundo. La tragedia llevará al ansia de venganza y la culminación de la venganza llevará a una cierta esperanza.
No quiero decir nada más de la historia porque me siento incapaz de decir algo sin tener que revelar toda la película. Así que tan sólo diré que la historia dio en su momento tanto juego que el mismo Bergman escribió una serie de televisión basada en los protagonistas.

El estilo infantil y teatral del director sueco se hace notar en seguida. Fiel seguidor de Bazin y con una puesta en escena perfecta. Una ambientación e principios de siglo que sólo puede competir con la épica película de Stanley Kubrick Barry Lyndon.


El mayor fallo lo veo en el título, que más que Fanny y Alexander se debería de llamar Alexander y algunos personajes más. Por lo demás las tramas con las que se construye la historia están muy equilibradas para dar protagonismo a Alexander pero además construir un pequeño mundo alrededor de él, para poner la guinda al pastel.

Recomiendo esta película para todos aquellos amantes del buen cine que estén cansados de Hollywood y busquen historias que trasciendan más allá del cine y la realidad. Obra cumbre de uno de los directores más grandes de la historia.


CALIFICACIÓN: 9

domingo, 3 de febrero de 2008

Crítica de Monstruoso (Cloverfield)




Tan sólo intentar definir el género de esa película ya se hace complicado. Es una mezcla de Ciencia-ficción, acción, intriga y Thriller. Podríamos decir que es un complejo híbrido entre “El proyecto de la bruja de Blair” y “Godzilla” con un toque de “La guerra de los mundos”.

Esta película está producida por una de los grandes visionarios de las series norteamericanas actuales: J. J. Abrams productor de series como Perdidos.
En esta película se nos cuenta la historia de cómo 5 personas intenta sobrevivir en la ciudad de Nueva York al ataque de un terrible monstruo. Toda la película se nos cuenta con la técnica de cámara en mano siguiendo la estela de la exitosa pero realmente floja: REC.
El resultado es una película agobiante, espectacular y sobrecogedora. Quien espere ver una simple película sangrienta con Monstruoso no va a encontrar lo que busca. En cambio si se busca una forma un poco más original de ver el típico ataque de un monstruo a tierra humana, si que tiene más posibilidades de sentirse satisfecho.
Otras películas de este género no nos contaban las historias de gente corriente y su intento por sobrevivir a estos ataques, sino más bien como una serie de “héroes” hacían todo lo posible para proteger a su familia o por salvar a la ciudad. Por ejemplo en Godzilla el protagonista era un científico que intentaba salvar la ciudad y al mismo godzilla. En la guerra de los mundos nos encontramos con un Tom Cruise que de repente parecía ser el ser más inteligente de la tierra sabiendo que es lo que fallaba en los coches y que es lo que había que hacer.

En Monstruoso nos encontramos con 5 jóvenes que no saben a dónde ir, no saben exactamente lo que está pasando y no saben cómo hacer frente a la amenaza que se les viene encima. Y el hecho de que sea gente normal parece subrayarse con la técnica de cámara en mano. Ya que según los movimientos de la cámara también podemos vislumbrar la sensación y las emociones del personaje que lleva la cámara.

Ahora eso sí no todo es correr también hay diferentes historias de amor inmersas en la trama que la harán avanzar la acción dramática de todo el film.

La película gana puntos sobre todo por su brevedad, ya que alargar durante mucho más tiempo este tipo de situaciones hubiese mermado notablemente la intensidad dramática, haciendo que la película se volviera aburrida y pesada. Así en poco más de una hora se nos ofrece toda la espectacularidad que queremos y más.

Aunque como rasgos negativos hay que decir que en algunos momentos se hace previsible, y que en algunos momentos resulta realmente agobiante la cámara en mano.


CLASIFICACIÓN: 8